黑磨坊

比起情节和音乐，我更喜欢里面的舞蹈。
在夜总会里，台上台下一起舞蹈，让人眩目。
而台下的群舞，更有黑人的那种hip-hop的风格！
非常喜欢！

    尤其喜欢画面创造出的旧时代的氛围。拍摄手法恰如其分的表现了一个时期时代的表象和精神风貌，透着幽默的感觉。同样精彩的还有剪接的运用。一些台词还是很不错的，配合演员磁性的嗓子很是舒服。音乐不错，舞蹈太现代了。

    至于故事性，大概是被画面和音乐吸引太多了吧，倒没有注意到有多么弱。基本上这种类型的电影就是这样的故事。

   故事性差了点，很容易想出来接下来发生的故事。而且很多地方似曾相识。
  
   有的细节处理的还不错。

   总的来说，一般啦..没什么很特别的

      近年来黑人电影算不上少，但是拿复古歌舞说事儿的，至少在我的狭隘眼界里，算是比较少的。如同一般的黑人电影，它涉及讲述过去黑人生活里的暴力、谋杀、走私、色情等。但在那个种族问题首当其冲的五六十年代，导演抛开黑白差异的热话题，而仅仅关注于音乐，关注于一个黑人酒吧的斗争，做到了焦点矛盾的凝聚。谈的宽泛的电影充其量算的上是气势宏大，谈的深入的才能算的上是行家里手。
主线是一个入殓师蕴含的能量，潜伏的天赋，怎样一步一步走向芝加哥的舞台。但他的另一个朋友的出镜率高的有时让人分不清楚到底谁是主角了。从一个角度看，也许他们俩都是主角，正如RAP、R&B的歌手们光明的音乐之路与黑暗生活之路的结合。黑人音乐因社会因年代，本就经历的重重阻碍，而也正是因为这些阻碍，才让他们心中的愤懑喷发，做出惊人的音乐。
   也许是这段时间看了Chicago一类的音乐剧，熟悉于百老汇风格的华丽耀眼后，这部电影里的歌舞环节并没有怎么打动我。加之所占时间较少，让它没有能上升到歌舞剧的范畴，这样反而使电影有些怪异。比如在一直正常讲述的过程中，突然主角起床就开始唱歌，让人略微觉得好笑。
电影拍摄手法有些俗套和单调，没能突出歌舞的美妙或者环境的险恶。整部剧基本以静止镜头为主，感觉太过于刻意模仿那个年代的拍摄方法，让电影显得有些沉闷。但在女歌手安吉尔回忆过往的倒叙中，利用镜子或者画面局部浮现的方法转换场景让人眼前一亮。
   安吉尔与帕西瓦尔的纯真音乐爱情、儿时玩伴多年的诚挚友谊，也让它不同于别的黑人电影，多了一些温情少了一些猜疑。最后的happy ending，既是宽慰我们的心，也是期望。过去的时代一去不复返，新的社会黑人的生活已经不再是那般艰难。想到此，大家不免感到慰藉。于他们于我们，未来都是光明的。

【简介】
　　　　白天，忧郁的帕西瓦尔（Dré）在父亲的殡葬店里帮死人上防腐剂，他是家族生意的准继承人；晚上，腼腆的帕西瓦尔会躲在地下夜总会的钢琴后面，用他给死人抹香料的手指弹出灵动的音符唤醒夜晚骚动的灵魂，他是天才却不敢出世的音乐家。
　　
　　　　给帕西瓦尔提供宣泄天才和创作欲望机会的如斯特（Big Boi） 是地下夜总会的经理。相比自己沉湎于音乐世界又温柔内向的童年玩伴，如斯特名副其实地像只骄傲华丽的公鸡，夜夜笙歌美酒佳人就是他梦想中的一切，人生只在乎揭幕与谢幕之间那段高潮迭起纵情欢乐。
　　
　　　　爱上了年轻的歌女安吉尔（Paula Patton），帕西瓦尔意识到自己必须在梦想和父亲中选择。一个人选择太痛苦，帕西瓦尔用自己的理想感动及时行乐主义者如斯特与他同行，让他明白他们的天才和使命是为了在更广阔的音乐天地里开辟自己的风格、影响一个音乐时代。
　　
　　　　两个年轻的音乐人走出了民风保守的乔治亚州。他们为梦想和爱踏上的路印证了30年代美国黑人音乐发展的轨迹。
　　
　　这个片子让我有机会能耐心听听一直没有太多兴趣的Rap和hip hop。而单飞的传闻不绝于耳的OUTKAST和他们的御用MTV导演-Bryan Barber（即本剧的编剧兼导演）的完美合作，更是给观众展现了一个将mtv和电影的拍摄手法结合的视觉和听觉作品。强烈的色彩渲染，无逻辑的镜头转换，夸张的空间布置，优美的电影情景，激情的伴舞等都能带给观众很多震撼，或者更确切的说为一种创新而耳目一新的感观和心灵反应效果。
　　
　　Bryan Barber在这个影片中将黑人的音乐和舞蹈精心选配，融合了Jazz，R&BBroadway，R&B，Rap，Hiphop，摇摆舞、踢踏舞、嬉哈街舞等众多元素，给了观众一个对黑人音乐全面了解的机会。特别欣赏的是据说“撰写这个故事的初衷是为了在被饶舌和街舞塞满脑子的年轻人心中培养他们对爵士时代的感情，让他们知道嬉哈、R&B是怎么从威灵顿公爵、Cab Calloway这些天才的作品衍生出来的；OUTKAST推动了嬉哈音乐的发展，自然也要担负起教育年轻人娱乐不忘本的责任，影片也瞄准了OUTKAST的广大fans，而为了在教育前先把目标观众抓在手中”。这种对音乐和艺术的尊重而产生的社会责任感加上他们天才般的教育创新技巧，让人为之折服。 为了让影片不会变成一部生硬的音乐历史课程并因为现代而更好理解，30年代实际上纯粹被简化成一个舞台背景，“Bryan Barber赋予了它许多《红磨坊》式的-甚至《天使爱美丽》式-的美术效果。”
　　
　　三度获东尼奖的Hinton Battle与其“代表着美国多元化文化传统“的舞台实验室的演员们一同为影片设计的一整套混合舞步更是影片中的一大精彩亮点。
　　
　　看这个影片，一定不要局限于固定的时间思维，因为年代在这里已经不再重要了，重要的是那曾经发生的一切。近80年的音乐与舞蹈的跨越，已经让历史界限模糊不清了。重要的是有音乐，有舞蹈，还有编者，演者以及我们的激情。
　　
　　影片中令人难忘的是黑人艺术的“乖戾”而令人震撼，遗憾的是，影片对人种太过于强调，全部黑人的面孔令影片的视角被人为的狭窄化，毕竟尽管当初黑人音乐和舞蹈在白人社会的发展道路艰辛，但随着时代的变迁，一切都已经不同。艺术的发展总是要先行一步而付出代价的，但最后都会带来人类的共同认知和融合。